211service.com
Bewegende Beelden
Over het algemeen is beeldende kunst altijd gedefinieerd als statisch, merkte de abstracte kunstenaar Frank Stella in 1998 op, maar de traditie is altijd geweest om illusie te gebruiken om een gevoel van beweging te creëren. Historisch gezien had hij volkomen gelijk. Vanaf de dagen van de grotkunstenaars van het Cro-Magnon-tijdperk, tienduizenden jaren geleden, hebben kunstenaars geprobeerd om beelden te maken van een wereld die constant haast, drijft, kabbelt en verschuift. Of zoals Stella het uitdrukte: als iets beweegt, is dat hoe je kunt zien dat het leeft.
Veel van de meest memorabele afbeeldingen in de canon zijn van figuren en dieren in beweging: de Overwinning van Samothrace van rond 190 BCE , haar draperie fladderde met de snelheid van de vlucht; Titiaan Bacchus van 1520-1523, afgebeeld in de lucht springend van zijn strijdwagen in de richting van Ariadne; Marcel Duchamp's Naakt afdalen van een trap (nr. 2) (1912), als een meervoudige foto van een naakte vrouw die loopt. Maar terwijl Stella sprak, gaven technologische veranderingen kunstenaars de kans om iets meer te doen: niet alleen foto's maken die leken te bewegen, maar ook beelden die dat ook daadwerkelijk deden. In de afgelopen tien jaar zijn ze in toenemende mate bezig met het verkennen en exploiteren van animatie, dat wil zeggen het maken van tekeningen en schilderijen die bewegen.
Dit verhaal maakte deel uit van ons septembernummer 2015
- Zie de rest van het nummer
- Abonneren
Om een voorbeeld te zien, ga naar Calgary, waar een toren van 24 voet staat op een terrein in de buurt van East Village. Op vier speciaal geconstrueerde LED-schermen die aan de zijkanten zijn gemonteerd, ijsberen en slenteren zes figuren constant, getekend in een stijl van gedurfde maar nauwkeurige vereenvoudiging, dus hoewel een hoofd slechts een cirkel is, bundelen hun kledingstukken zich op een kenmerkende naturalistische manier. Rond en rond gaan ze, bundelen en scheiden, elk met een individuele gang: een bijgewerkte versie van de rennende figuren op een Griekse vaas.
Dit is Promenade (2012) van de Britse kunstenaar Julian Opie, en de methoden die hij gebruikte om het te maken, omvatten een wisselwerking tussen digitale technologie, fotografische media en grafische uitvindingen. Hij filmde eerst individuen en tekende vervolgens de resulterende beelden op een computer om ze terug te brengen tot reserve, essentiële contouren.
Promenade door Julian Opie (2012)
De avant-garde kunstwereld was traag met het opnemen van animatie - ongeveer een eeuw te laat om precies te zijn. De eerste openbare vertoning van een tekenfilm: Arme Pierrot door Charles-Émile Reynaud, gepresenteerd in Parijs in 1892 - dateert eigenlijk van vóór de eerste vertoning van een film (door de gebroeders Lumière, in 1895). Er waren echter zowel praktische als psychologische redenen waarom highbrow-artiesten niet gemakkelijk naar Looney Tunes gingen.
Animatie was een big business en een belangrijker medium dan de conventionele filmgeschiedenis toelaat. De grootste filmsterren van de jaren dertig - zo heeft de schilder David Hockney beweerd - waren niet Clark Gable en Greta Garbo, maar Mickey Mouse en Donald Duck. Maar om als Disney te werken waren enorme middelen nodig: teams van tekenaars aan tekentafels, een machtige studio. En de resultaten waren de belichaming van wat de highbrows van het midden van de 20e eeuw werden aangemoedigd om te verachten.
Een van de meest invloedrijke uitingen uit die periode was het essay Avant-Garde and Kitsch (1939), van de criticus Clement Greenberg. In die tweedeling waren Braque, Miro, Mondriaan, Kandinsky, Brancusi, Klee, Matisse en Cezanne de hoge kunst. Disney was duidelijk kitsch (ook al wordt hij achteraf gezien als een belangrijke artiest). Als kunstenaars uit die tijd zich bezighielden met animatie - zoals de eclectische Beat Generation-figuur Harry Everett Smith (1923-1991) deed - zouden de resultaten waarschijnlijk zowel laag in productiewaarden als nonfiguratief in beeld zijn. Smith's baanbrekende Film nr. 3: Verweven (1947-1949), bijvoorbeeld, is een flikkerende opeenvolging van dobberende gekleurde vierkanten en rechthoeken. Niet Tom en Jerry maar een mobiele Mondriaan.
Wat zowel kunstenaars, critici als het publiek moeten beslissen, is of en wanneer de botte realiteit van geanimeerde beweging een verbetering is ten opzichte van de illusie.
De low-tech kwaliteit blijft bestaan in het werk van de Zuid-Afrikaanse kunstenaar William Kentridge (geboren in 1955), die vooral door het maken van animatiefilms een enorme reputatie heeft opgebouwd. Het was de serie die hij de titel gaf Negen tekeningen voor projectie (1989-2003) die echt de aandacht trok van de internationale kunstwereld. De werken, die gaan over de vrijheidsstrijd in het apartheidstijdperk, bevatten twee terugkerende personages, Soho Eckstein en Felix Teitlebaum.
Kentridges term voor wat hij doet is veelbetekenend: geen tekenfilms, of zelfs animatiefilms, maar geprojecteerde tekeningen. Zijn techniek is eigenzinnig, primitief zelfs. Elke film bestaat uit wijzigingen die zijn aangebracht op een enkel vel papier, waarop met houtskool is getekend en met een beperkte hoeveelheid kleur in pastel. Hij wist een deel van het beeld uit en tekent opnieuw om elke verandering en beweging te creëren, neemt vervolgens een aantal frames van 35 millimeter van het beeld en verandert het opnieuw. Het resultaat, dat vaak spookachtige sporen van onvolmaakt gewiste lijnen bevat (Kentridge heeft uitgelegd dat dit simpelweg komt omdat hij nooit een perfecte wissing zou kunnen maken), heeft een beklijvende kwaliteit. Het effect van een werk als dat van hem Felix in ballingschap (1994) is niet zozeer een animatiefilm als wel een tekening die tot leven komt: niet gelikt en professioneel, maar strak en oprecht, wat perfect bij het onderwerp past.
Felix in ballingschap door William Kentridge (1994)
Dit soort bewust met de hand getekende look blijft aantrekkelijk voor kunstenaars die animaties maken. David Shrigley's korte digitale animaties, zoals: Headless Drummer (2012), hebben een minimalistische stijl ergens tussen cartoon en graffiti, met een surrealistisch randje. (Waarom heeft zijn manisch ritmische percussionist geen hoofd?)
Headless Drummer door David Shrigley (2012)
Tekenen blijft het uitgangspunt van het kunstduo dat zichzelf IC-98 noemt. IC-98 is gevestigd in Turku, Finland, en bestaat uit Visa Suonpää en Patrik Söderlund, die hun land vertegenwoordigden op de Biënnale van Venetië in 2015. Hun animaties beginnen met collage en die eerbiedwaardige grafische hulpmiddelen, papier en potlood.
Het beeld ondergaat vervolgens manipulatie in Photoshop; een professionele animator, die digitale tools gebruikt, voegt extra effecten toe. Het resultaat is in wezen een landschapstekening die heel langzaam, soms bijna onmerkbaar verandert, zoals de natuur dat doet. Over het uur en 10 minuten van Een uitzicht vanaf de andere kant (2011) is het constante zicht op een klassieke portiek. Terwijl we ernaar kijken, komen en gaan seizoenen, bladeren groeien en vallen, totdat de structuur uiteindelijk in verval raakt. Dit is animatie op de tijdschaal van geschiedenis en ecologie.
Een uitzicht vanaf de andere kant door IC-98 (2011)
Een andere jongere artiest die recentelijk bekendheid heeft gekregen met behulp van zelfgemaakte animaties, is de Zweedse Nathalie Djurberg (geboren in 1978). Haar meest onderscheidende werken maken gebruik van de techniek die bekend staat als klei-animatie, of claymation, waarbij kneedbare sculpturen gemaakt van een materiaal zoals plasticine tussen frames worden veranderd om het effect van beweging te creëren. Dit medium - met groot succes gebruikt door Nick Park in films zoals: Kippenren (2000) - is niet zo oud als getekende stop-motionanimatie, maar het dateert uit 1908. Djurbergs innovatie is niet technisch; inderdaad, haar bewegende beelden - zoals die van Kentridge - hebben een schokkerige, ongepolijste kwaliteit. De nieuwigheid zit in de bizarre en erotische kwaliteit van haar onderwerp: een enorm dikke vrouw die bevallen is van een neushoorn bijvoorbeeld, of de zelfverklarende Tijger die de kont van het meisje likt (2004).
Stills van Tiger Licking Girl's Butt door Nathalie Djurberg (2004)
Sinds het millennium hebben veel kunstenaars nieuwere technologie omarmd, niet alleen om hun werk te maken, maar ook om te verspreiden. Vanaf het einde van de jaren negentig maakte software zoals Adobe Flash het relatief eenvoudig om je eigen Disney te zijn - of in ieder geval je eigen Kentridge. Een aantal jonge schilders, vooral in het Verre Oosten, gebruikten dergelijke tools om animatiefilms te maken en plaatsten ze op het web zodat een groot publiek ervan kon genieten. Een van de eersten hiervan was Bu Hua (geboren in 1973). Opgeleid als schilder en gevestigd in Peking, maakte ze in 2002 snel een reeks korte films, waaronder: Kat .
In esthetische termen Kat behoudt een expressieve lijn uit de vrije hand die dicht bij die van Kentridge lijkt, en het verhaal over een zwervende, dakloze, ongelukkige katachtige ouder en kitten heeft een ontroerende - of, naar smaak, plakkerige - emotionele kwaliteit. Het is 633.451 keer bekeken op de website Flashempire.com, een aantal dat buitengewoon indrukwekkend zou zijn voor een grote museumtentoonstelling en ongekend is voor een jeugdige en weinig bekende kunstenaar (hoewel natuurlijk heel normaal voor een virale webhit) .
In 2008 creëerde een andere Chinese kunstenaar, Cao Fei (geboren in 1978), een kunstwerk in de vorm van niet de vorm van een animatiefilm, maar van een interactieve, door de computer gegenereerde omgeving: RMB City, dat bestaat in de online virtuele wereld van Linden Lab, Second Life. . Dit is zowel een kunstwerk als een platform waarop verdere werken kunnen worden opgevoerd, waaronder film- en fotografie-exposities van Cao, met haar virtuele avatar, China Tracy. Het voorgeborchte van mensen en Modes van China Tracy (beide 2009) zijn twee voorbeelden.
RMB City heeft het uiterlijk en de kenmerken van een massaal multiplayer online role-playing game (of MMORPG), maar er is geen game bij betrokken. In plaats daarvan is het een landschap dat parallel loopt aan het snelgroeiende China van het begin van de 21e eeuw, waarin een grote zaal van de Verboden Stad naast een versie van het stadion van Herzog en de Meuron voor de Olympische Spelen van Peking bestaat, voorzieningen voor teleportatie, hoogbouwblokken en verhoogde snelwegen.
Kat door Bu Hua (2002)
Het is erg van zijn tijd. Zoals Brian Droitcour opmerkte in: Kunstforum , weinig werken kregen in 2008 zoveel aandacht, laat staan werken in de bouw (the making of RMB City was constant te zien in de Serpentine Gallery in Londen). Het verstrijken van een half decennium heeft het een historisch aanzien gegeven. De gametechnologie is verder gegaan en heeft een steeds grotere waarheidsgetrouwheid voortgebracht.
Alle kunstwerken bevatten aanwijzingen voor de datum van hun creatie. Maar er zijn specifieke problemen voor artiesten die software gebruiken die is gemaakt voor filmanimatie of digitale games. Over een paar decennia heeft misschien niemand toegang tot de software, en er zijn andere problemen die olieverf niet biedt. Zoals Julian Opie heeft opgemerkt, is het een ongelooflijke hoofdpijn om te proberen technologie te ontdekken, en het gaat zo snel dat tegen de tijd dat we de hele zaak doorgronden, we vaak ontdekken dat die technologie is stopgezet.
Dingen beoordeeld
Promenade
Door Julian Opie (2012)
Arme Pierrot
Door Charles-Emile Reynaud (1892)
Film nr. 3: Verweven
Door Harry Everett Smith (1947-1949)
Negen tekeningen voor projectie
Door William Kentridge (1989-2003)
Felix in ballingschap
Door William Kentridge (1994)
Headless Drummer
Door David Shrigley (2012)
Een uitzicht vanaf de andere kant
Door IC-98 (2011)
Tijger die de kont van het meisje likt
Door Nathalie Djurberg (2004)
Kat
Door Bu Hua (2002)
RMB Stad
Door Cao Fei (2008)
David
Door Sam Taylor-Wood (2004)
Dame Zaha
Mohammed Hadid
Door Michael Craig-Martin (2008)Computerportret van Laura Burlington
Door Michael Craig-Martin (2010)
niettemin , hij en andere kunstenaars gebruiken technologie - nieuw en niet zo geavanceerd - om werken te creëren die hun voorgangers zich alleen konden voorstellen. Op de muren van Zweinsteins Hogeschool voor Hekserij en Hocus-Pocus in de Harry Potter-romans staan hoogst ongebruikelijke portretten; de mensen in hen bewegen in hun kaders en spreken. Zulke bewegende portretten zijn geen pure fantasie. We hebben videobeelden van oppassers, zoals die van Sam Taylor-Wood David (2004), een 67 minuten durende kroniek van de voetballer David Beckham die slaapt. Er zijn ook geanimeerde, getekende portretten. Opie heeft een nummer gemaakt, waaronder: Elena , mietje , George , en Jack (allemaal 2014)—continue computeranimaties op lcd-schermen, die hun hoofd draaien en knipperen.
De Britse schilder Michael Craig-Martin heeft ook digitale technologie gebruikt om zijn foto's te animeren, maar op een andere manier: in zijn werk zijn de transformaties niet lineair maar chromatisch.
Craig-Martin maakte in 2008 een portret van de architect Dame Zaha Mohammad Hadid in dit idioom voor de National Portrait Gallery in Londen. De lijnen van het portret veranderen nooit. Maar de kleuren veranderen voortdurend op een gevarieerde, willekeurige manier, gecontroleerd door software. De mogelijke kleurencombinaties zijn zeer talrijk. Zijn Computerportret van Laura Burlington (2010) verdeelt het gezicht van de oppas in negen secties - haar, lippen, huid, enz. Die langzaam doorlopen door permutaties van 44 kleurschakeringen die door de kunstenaar zijn geselecteerd. De oppas is getrouwd met de erfgenaam van de hertog van Devonshire, en de foto hangt nu in Chatsworth House, het landhuis van de hertog, tussen de eerdere portretten van Reynolds en Gainsborough.
In 1962 schilderde David Hockney een foto van twee mannen die worden bedreigd door een enorm springend luipaard. In kleine letters schreef hij een geruststellende boodschap op het doek: Ze zijn volkomen veilig, dit is een still. Maar meer en meer gaat het er in de kunst om niet het creëren van beelden die lijken te bewegen - zoals het geval is sinds de dagen van de grotschilderingen in Lascaux - maar het creëren van beelden die daadwerkelijk bewegen. Wat artiesten, critici en publiek moeten beslissen, is of en wanneer die botte realiteit een verbetering is ten opzichte van de illusie. De oeros, herten en paarden aan de muren van Lascaux waren geschilderd om gezien te kunnen worden in het flikkerende fakkellicht, en zouden hebben geglimlacht met schijnbare beweging. Maar omdat ze in een moment bevroren zijn, bezit elk dier nog steeds een specificiteit, een kwaliteit van zijn gevangen genomen , die animatie kan moeilijk te repliceren vinden.
Het nieuwste boek van Martin Gayford is Afspraak met Art , geschreven met Philippe de Montebello. Zijn laatste verhaal voor MIT Technology Review was Verlichte Ruimten.